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DER ARME SAMMLER – Die besondere Ausstellung

Ausstellungseröffnung: Samstag 20.05.2017 um 15.00 Uhr

Andreas A. Koch (stammt aus Bremen, lebt in Berlin) und Peter Funken (Berlin) – zeigen Arbeiten aus ihren Kunstsammlungen – mehr als 40 Positionen – zur Eröffnung eine Aktion von Gereon Inger!

Aktuelle brennende Fragen um das Sammeln von Kunst und die Sammlermuseen nehmen wir zum Anlass, um einen – auch ironischen – Kommentar zum Thema „Kunst sammeln, Kunst besitzen“ zu geben. Gezeigt werden Ausschnitte aus zwei Berliner Privatsammlungen, die man mit Fug und Recht „Armensammlungen“ nennen darf, denn auch die beiden Sammler – der Kunstwissenschaftler Dr. Peter Funken und der Künstler Andreas Koch – bezeichnen ihre Sammlungen so. In ihren Kollektionen befinden sich unter anderem Arbeiten bedeutender zeitgenössischer KünstlerInnen, so etwa von Martin Kippenberger, Robert Morris, Rosemarie Trockel, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Sigmar Polke, WOLS, Georg Herold, Ruprecht Geiger, Erich Reusch, Franz Ackermann, Bernd Koberling und vieler anderer. In beiden Sammlungen trifft man vor allem auf Kunstwerke, die die beiden Sammler aus ihrer Situation als Kunstwissenschaftler bzw. Künstler und mit ihren Mitteln erstehen konnten. In beiden Sammlungen gibt es Originale, aber auch viele Auflagenobjekte, Graphiken und Fotos, sodann von befreundeten Künstlern Geschenktes sowie Getauschtes, ebenfalls Arbeiten, die – im Falle von Funken – in der Zusammenarbeit mit Künstlern wie Fritz Balthaus und Gereon Inger als Multiples und Editionen entwickelt wurden.

Solche Sammlungen sind verglichen mit großen und berühmten Sammlungen vom eingesetzten Budget her arm, sie besitzen aber dennoch ihre eigene Geschichte und kennen viele Geschichten, sie haben den Reiz und Charme des Sammelsuriums und daraus resultierend eine Bedeutung, die dem aktiven Umgang mit Kunst und Künstlern entspringt.

Die Ausstellung stellt die Frage, was das Sammeln von Kunst für den Menschen bedeutet, ist doch das Kunstsammeln keinesfalls allein an große Geldsummen oder die Besonderheit einmaliger Kunstwerke gebunden, sondern vielmehr Befriedigung eines Grundbedürfnisses – dies in Hinsicht auf den Umgang mit Schönem und Sinnvollem angesichts der Bedingungen, mit dem uns das Leben immer wieder konfrontiert. Sodann dient das Sammeln auch der persönlichen Selbstfindung und -erfindung, der Selbsterfahrung und -vergewisserung. Demnach steht Sammeln für das, was wir mit Begriffen wie Individuation und Identität verbinden. In diesem Gedanken versteht sich das Projekt „Arme Sammler“ in Bremen auch als Anstoss für all jene, die sammeln um der Kunst wegen, die also selbstbewusst und mit Sammlerstolz auf die von ihnen zusammengetragenen Gegenstände blicken, denn diese handeln – wie kaum etwas anderes – von dem, was uns selbst zu- und angehört, es ist Ausdruck von Biografie und Vorliebe, von Erfahrung und Erkenntnis jenseits von Statussymbolen , aber mitten aus der Kunst.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

PLEIN AIR FESTIVAL – Malen an der Ostsee

Ausstellungseröffnung: Samstag 13.05.2017 um 14.00 Uhr

Für alle Zeichen- und Malinteressierten bietet das Plein Air Festival an der Ostsee eine Vielzahl von Angeboten.

Für diejenigen, die neugierig auf eine bestimmte Technik sind oder ihre Fähigkeiten in einer Technik vertiefen wollen, werden in den ersten drei Tagen Workshops bei verschiedenen Dozenten angeboten.

Ein anderes Angebot richtet sich an Menschen, die die Ostsee, die Landschaften rund um die Ostseebäder Kühlungsborn, Heiligendamm oder Bad Doberan, die Bäderarchitektur und die Backsteingotik selbstständig malerisch entdecken wollen. Für diese Teilnehmer bieten wir zwei Tage freie Plein Air Malerei an. Die Teilnehmer haben die Chance, die dort entstandenen Bilder in der Kunsthalle Kühlungsborn auszustellen. Unter den ausgestellten Bildern wird ein Publikumspreis sowie über eine Jury drei Festivalpreise für die Freiluftmalerei vergeben.

In der Festivalwoche können Besucher im Ostseebad Kühlungsborn und der Umgebung vielen Künstlern in der Natur beim Malen und Zeichnen über die Schulter schauen. An den Abenden werden an verschiedenen Orten Veranstaltungen rund um die bildende Kunst angeboten werden, so dass sich Teilnehmer und Besucher informieren und am Festivalleben teilnehmen können.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

MALEREI

Biografie

Vita

1950 geboren in Zetel
1974 – 1979 Studium an der Hochschule für Gestaltung, Bremen, bei Karl-Heinrich Greune
1979 Stipendium Cité Internationale des Arts, Paris
1984 – 1985 Villa Massimo, Rom
1990 Overbeck-Preis für Bildende Kunst
1992 Niedersächsisches Künstlerstipendium, Bleckede
1994 Gastprofessur Pentiment Fachhochschule für Kunst und Gestaltung, Hamburg
1996 Kunstpreis der Künstler, Grosse Kunstausstellung Düsseldorf
1998 Aufenthalt Künstlerhaus Leschwitz, Görlitz
1999 Lehrauftrag an der Ernst-Moritz-Arndt Universität Greifswald
2000 Willi-Oltmanns-Preis für Malerei, Delmenhorst
2005 Professur für Malerei Akademie der Bildenden Künste, Nürnberg Lebt und arbeitet in Berlin und Nürnberg

Einzelausstellungen

2016
Norden, (Mit Norbert Schwontkowski, Hartmut Neumann, ) Mueum Ratingen (Katalog)
Anders, Galerie Georg Nothelfer, Showroom, Berlin
Neue Bilder. Galerie Hubert Hubert Schwarz, Greifswald
Thomas Hartmann, Malerei aus der Sammlung Seinsoth, Barkenhoff, Worpswede

2015
Das Eigene und das Andere, Galerie Georg Nothelfer; Berlin
New Paintings, Rosenbaum Contemporary, Miami, Florida, USA (Katalog)

2014
Galerie Christine König, Wien

2013
Direkter Umweg, Galerie Georg Nothelfer, Berlin (Katalog)Immediate Geographics, Rosenbaum Contemporary, Miami, Florida, USA (Katalog)

2012
Unruhe, Kunsthalle Erfurt (Katalog)

2011
Unruhe, Kunsthalle Rostock (Katalog)

2010
Unruhe, Museum für moderne Kunst, Weserburg, Bremen (Katalog)
Navigation, Galerie Frisch (Halle am Wasser) mit Jasmin Schmidt, Berlin

2008
Galerie Rigassi, Bern
Galerie Joanna Kunstmann, Palma de Mallorca
Galerie Elisabeth Michitsch, Wien (Katalog)

2006
Galerie Joanna Kunstmann, Palma de Mallorca

2005
Drei Säulen eines unbekannten Gebäudes, Galerie Beim Steinernen Kreuz, Bremen
(mit Hartmut Neumann, Norbert Schwontkowski)
Viele Einzelne, Kulturhistorisches Museum Görlitz, Görlitz (Katalog)
Triangel, Heidelberger Kunstverein, Heidelberg (Katalog)

2004
Viele Einzelne, Kunstsammlung Neubrandenburg (Katalog)
Triangel, Brandenburgische Kunstsammlung, Cottbus
Triangel, Oldenburger Kunstverein, (Katalog)

1999
Galerie Georg Nothelfer, Berlin
Geomer, Galerie Beim Steinernen Kreuz, Bremen (Katalog)

1997
Brecht-Haus, Berlin-Weißensee

1996
Museum Greifswald

1990
Galerie Bernhard Vidal, Paris (Katalog)
Millionen Stadt, Galerie Georg Nothelfer, Berlin (Katalog)

1989
Nord – Süd, Kunsthalle Wilhelmshaven (Katalog)
Overbeck-Gesellschaft, Lübeck
Kunstverein Springhornhof, Neuenkirchen bei Soltau

1988
Kunsthalle Emden (Katalog)
Landenge, Stadtgalerie Sophienhof, Kiel (Katalog)
Nord – Süd, Kunstverein Freiburg (Katalog)

1985
Langsame Flüchtlinge, Galerie Silvia Menzel, Berlin (Katalog)
Bremer Ausstellung, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen (Katalog)

1983
Galerie in der Böttcherstraße, Bremen
(mit Hartmut Neumann und K. M. Rennertz)

Gruppenausstellung

2015
Frisch aus Berlin, Stadtmuseum Oldenburg, Katalog

2014
Additionen der Gegenwart. Zeitgenössiche Kunst aus der Sammlung Frank Hense, Kunstmuseum Bochum (Katalog)
Hier steht ein Sessel, Sessel, Stuhl, Hocker in der Kunst, Galerie im Traklhaus, Salzburg (Katalog)

2011
Aller Zauber liegt im Bild, Museum Würth
Rom sehen und sterben…, Kunsthalle Erfurt
Vierunddreißig zu Kleist, Frankfurt (Oder)
Zwischen Film und Kunst, Kunsthalle Emden

2004
Von Bonifatius bis Beuys oder: Vom Umgang mit heiligen Eichen, Kunsthalle Erfurt (Katalog)

2001
Landschaft des XX. Jahrhunderts, Landesmuseum Oldenburg (Katalog)
…das Meer ist Blau, Deutsches Merresmuseum Stralsund (Katalog)

2000
Guten Morgen Malerei, Toskanische Säulenhalle im Zeughaus, Augsburg (Katalog)

1995
Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen
Bremen/Paris – Aller – Retour, Institut Francais, Bremen

1990
40 Jahre Kunst in der Bundesrepublik Deutschland, Kunsthalle Rostock (Katalog)

1989
Refgured painting, The German Image 1960 – 88, Kunstmuseum Düsseldorf, Schirn Kunsthalle, Frankfurt
40 Jahre Kunst in der Bundesrepublik Deutschland, Staatliche Kunsthalle Berlin (Katalog)
40 Jahre Kunst in der Bundesrepublik Deutschland, Städtische Galerie Schloß Oberhausen (Katalog)

1988
Refgured painting, The German Image 1960 – 88, Toledo Museum of Art, Toledo/Ohio (Katalog)
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Williamstown Massachusetts

1987
Deutscher Künstlerbund, Kunsthalle Bremen (Katalog)
Studien- und Ehrengäste der Villa Massimo, Kunsthalle Darmstadt (Katalog)

1986
Image of Shakespeare, Veranstalter: Nationalgalerie, Berlin (Katalog)

1985
Junge Kunst in Bremen, Kunsthalle Bremen (Katalog)
Jahresausstellung Villa Massimo, Rom (Katalog)
Treppen, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen (Katalog)

1984
Deutsche Landschaft heute, Orangerie, Schloß Charlottenburg, Berlin (Katalog)
Kunstlandschaft Bundesrepublik, Von-der-Heyd-Museum, Wuppertal (Katalog)
Vom Sturz der Dinge, Kunsthalle Wilhelmshaven

1983
Deutscher Künstlerbund, Martin-Gropius-Bau, Berlin (Katalog)
Große Kunstausstellung, Kunstpalast, Düsseldorf (Katalog)
Ausstellungseröffnung: Samstag 18.03.2017 um 15.00 Uhr

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

HEILE BILDER Familien-Cartoons

Ausstellungseröffnung: Samstag 10.12.2016 um 15.00 Uhr

Für die einen ist sie die Keimzelle der Gesellschaft.
Für die anderen ein Auslaufmodell.
Die Familie.
Der Heilige Vater wünscht sie sich als heile Welt.
Die Realität ist anders.
Wie – das zeigt die Ausstellung mit etwa 150 heilen Bildern der besten CartoonistInnen in der Kunsthalle Kühlungsborn.
Dabei geht natürlich um die klassische Familie: Vater, Mutter, Kinder.Von der ersten Windel des neugeborenen Sohnes bis zur letzten Windel des inkontinenten Opas.
Und es geht um die vielen anderen Familienformen wie alleinerziehende Mütter und Väter, Patchworkfamilien, Vater, Vater, Kind, eheähnliche Lebensgemeinschaften, Adoptivfamilien, getrenntes Zusammenleben….
Um Familienplanung, -gründung, -alltag, Familienfeste, Urlaube, um Erziehung, Elternhaus und Schule, pubertierende Kinder, Beruf und Familie, Sorgerecht und Pflegepflichten, um Herdprämien, Betreuungsgeld, Elternzeit und andere Angebote der Familienpolitik, um das Nebeneinander der Generationen, Leihomas, Stiefväter, Schwiegermütter, um die ganze bucklige Verwandtschaft.
Kurzum: Es geht um alles, was in den besten Familien vorkommt.
Und in allen anderen.
Die Heilen Bilder waren erstmals im Sommer 2015 als Freiluftausstellung beim Cartoonair am Meer in Prerow zu sehen.
Kühlungsborn ist traditionell die erste Station der Wanderschaft.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

Jubiläumsausstellung: 25 Jahre Kunsthalle Kühlungsborn

Bilder von der Ausstellung und Vernisage am 16. September

Wir gestalten eine Ausstellung mit einer Auswahl von Künstlern, die in diesen Jahren beteiligt waren. Wir zeigen Arbeiten der Gründungsmitglieder, Kunst der klassischen Moderne und zeitgenössische Kunst. So präsentiert sich wieder einmal ein ganzes Jahrhundert Kunst in der Kunsthalle. Hauptsächlich werden grafische Arbeiten gezeigt, aber auch Skulpturen, Malerei, Pastelle. Unter anderen werden Künstler präsentiert wie: Armin Mueller-Stahl, Günter Grass, Elke Siml, Helmut und Wilfried Schröder, Dietmar Schramm, Britta Naumann, Otmar Alt, Emil Schumacher, Fred Thieler, Bernd Engler, Dimitri Vojnov, Christoph Dahlberg, Hans W. Scheibner, Karin Zimmermann, Miro, Picasso, Chagall, Dali, Marc und viele mehr.

25 Jahre Kunsthalle – Fotogalerie und Dokumentation

Innerhalb der Ausstellung 25 Jahre Kunsthalle Kühlungsborn gibt es am 15.10.2016 um 15.00 Uhr einen Empfang und eine Festveranstaltung mit Reden, Glückwünschen, offiziellen Gästen, Essen, Musik und Trinken.

Ausstellungseröffnung am Freitag den 16. September um 18:00 Uhr

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

Jost Giese –  dt. Maler, Graphiker, Plastiker, * 19. 4. 1953

Geb. in Meißen, lebt in Leipzig. Bis 1972 Elektromechaniker-Ausb. mit Abitur. 1975 – 80 Stud. an der HGB Leipzig bei Arno Rink und Bernhard Heisig (1980–83 dessen Meisterschüler). Studienreisen in die Sowjetunion, Bulgarien, Südafrika, Südfrankreich, Italien. V.a. Malerei (Kaseinemulsion und Öl häufig auf Papier); auch Graphik (Rad., Lith. wie Wiederkehrende Vergänglichkeiten, 1984; Die Verwandlung, 1985; Gebärden eines Clowns, 1985; Strohmannspiele, 1985), seltener Zchngn; ab 1993 auch plast. Arbeiten (u.a. Fahrfuß; Gehörnter; Kopfmundpfahl) und Objekte. – Seit 1983 freischaffend in Leipzig. Anfangs figurative Komp. und Portr., die zunehmend in stilisierende Abstraktionen übergehen. Mitte der 80er Jahre agieren G.s Figurationen in bühnenartigen Raumandeutungen (Die kleine Bühne, 1983), hier noch als konsequente Ableitung seiner method. Grundauffassung, dass das Bildformat „wie eine Bühne zum Theatermacher mit … graph. und maler. Mitteln“ sei. „Im Retourgehen, im Rückblicken – man ist selbst Regisseur und Mitspielender – formen sich beim Zeichnen und Malen Gestalten, die miteinander Beziehungen eingehen. Ich tausche sie aus, lasse sie verschwinden oder bringe neue dazu.“ Diese Auffassung G.s wandelt sich bis in die 90er Jahre ins Metaphor., das Sichtbare erscheint nun vollends abstrakt, die Figur wird zur Reflexionsebene der Gefühlswelt, archaische Formzusammenhänge artikulieren sich schemenhaft in farbl. Mischtönen (Einhorn-Portr., 1985), was G. das Prädikat „sanfter Wilder“ (Guth, 1985) einbringt.   Die ästhet. Mitteilungskraft der Farben, ihr orchestraler Zusammenklang, ändert sich je nach gemaltem „emotionalen Sujet“ im Grad der Expressivität. Das Kolorit reicht vom warmen, sanftmütigen Hintergrund-Rot, auf dem leuchtendes Orange mit kühlem Blau angenehm korrespondieren, bis zu aggressiven Konfrontationen fast reiner Töne, die lustvoll mit Komplimentärfarben und Kontrasten spielen, in einigen Bildphasen nach dem Kapstadtaufenthalt (1991) noch verstärkt durch streng gliedernde schwarze Konturen (African fly, 1991). Zw. dieser Polarisation sind unzählige kompositionelle Varianten mögl., die sich entweder in zahlr. Bildetappen an ein G.s hohen Ansprüchen genügendes Ergebnis annähern aber auch Grundlage von Bildserien werden (z.B. Die Skulpturalen, 1991). Damit untrennbar verbunden sind zwei für G. typ. Bestrebungen: erstens die Auswahl von Titeln, die als eigenständiges, meist lyr., mitunter auch skurriles, Pendant zum Dargestellten existieren, indem sie nicht benennen, sondern ein assoziatives surreales Eigenleben führen (Endbeginn; Metasoma; Islandbabel…), zweitens intensive Auseinandersetzungen mit Lit. (z.B. mit G. Büchner, Woyzeck; S. Beckett, Warten auf Godot) und musikalische Anregungen, die im empfindsamen Giese brisante emotionale Projektionen auslösen, eine der Ursachen für seine Bildbesessenheit und exzessive Produktivität, mit der er zu originärer Bildsprache und der Fähigkeit gelangte, Komp. und Farbklänge mit furioser Leuchtkraft zu gestalten. Ab 1999 verstärkt auch Zeichungen auf Transparentkarton (beidseitig bezeichnet) und auf Bütten. Seither auch Integration feingliedriger zeichner. Elemente in großflächig gemalte Formzusammenhänge; ab 2002 sog. „Auftütenbilder“ (bemalte Verpackungen, bes. benutzte Briefversandtaschen).

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 18:00 Uhr.

Katalog zur Ausstellung

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 18:00 Uhr.

Ausschnitte aus dem Pressetext der Ausstellung Galerie Art & Henle

02.11.20002 bis 07.12. 2002 :

Fischer zeigt in großen und kleinen Formaten auf mehrfach verschachtelten Bildebenen fragmentarisch Momente der Bewegung, der Bewegungsrichtungen und -ziele, Elemente von Innen- und Außenräumen, Zeit und Raum. Elemente, die unser Leben im Wesentlichen bestimmen.

Er arbeitet mehrschichtig mit Öl, Acryl und Fotocollage und den
Kombinationen der möglichen Techniken dieser Materialien. Seine Farben verwendet er mal zart und sparsam mit organischer Körperhaftigkeit, dann wieder satt deckend und graphisch. Manche Darstellung ist leicht gleich einer Zeichnung oder einem Aquarell, andere Arbeiten sind tektonisch bildhaft und schwer. In vielen Werken verbindet er unterschiedliche Techniken. Dies entspricht kongenial der Vielfalt der unterschiedlichen hinterlassenen Spuren seiner Protagonisten und ihrer Erzählebenen.

Die Bilder setzen sich aus fragmentarischen Sequenzen zusammen, abbildhaften und formal-abstrakten. Fischer zeigt menschliche Haltungen und Bewegungsstadien, Transformationen, Beine und Arme, die gleich einem rollenden Wolleknäuel durch den Raum traben, Figurendarstellungen zwischen vielschichtigen lyrischen Erzählebenen, Bildcollagen von Menschenmengen in linearen und flächigen Formengebilden mit rätselhafter Dynamik. Quellen vieler Bilder sind Dokumente, Zeitungen und Fotografien, Texte, Musik und Erinnerungen, ohne das seine Darstellungen dokumentarisch werden. Wir sehen Alltagsrequisiten, natürliche Landschaften und architektonische Räume, in deren Zentrum wir immer wieder mit dem Mensch konfrontiert werden. Mal fragmentarisch in reiner Form, mal als modellierte psychische Seelenstudie….

Den figurativen Anteilen fügt Fischer die formalen bei. Architektonische Andeutungen von Türen, Fenstern, Säulen, Böden und Wänden lassen seine Protagonisten Räume durchwandern. Mal öffnet eine Figur einfach einen Vorhang und verschwindet in eine andere abstrakte Welt. Perspektive und Dimensionen sind verrückt.

Der Mensch ist das Zentrum seiner Arbeiten. Ihn hat er aufs Korn genommen. Doch er erklärt uns nicht seine Deutung, sondern lässt uns hierfür Freiraum. Seine Spuren bilden Teile einer Geschichte über den Menschen, die uns wie in einer Traumsequenz mit Brüchen und Sprüngen, gleich einem ungeordnetes Puzzle, einem wilden Spurenschatz von Mensch und seiner Umgebung präsentiert wird. Es bleibt Raum für Geheimnisse. Wir dürfen selber auf Jagd gehen und Spurenlesen. Ob und wie wir sie deuten, bleibt uns überlassen.

Stephan Heile

Publikation im Magazin „Schöngeist“ September 2004:

Das Danach ist zugleich ein Davor
Zu den Arbeiten von Pierre Fischer

Colmar Schulte-Goltz
Kunsthistoriker und Kurator, Bochum

In Malerei und Graphik behandelt Pierre Fischer Raumkonzepte und Identitätsfragen, in denen er die Wirklichkeit bespiegelt und Figuren, Orte und Situationen heraufbeschwört, die er nach ihren Zusammenhängen, ihrer Vergangenheit, Wirkung und Bedeutung hinterfragt. Fischer studierte von 1986 – 90 an der Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts, Paris, und erlangte 1991 die Licence d‘ Arts Plastiques an der Universität Strasbourg. Fischer erweiterte seinen künstlerischen Horizont in Utrecht, NL und Berlin, war Gasthörer bei Konrad Klappheck oder Norbert Tadeusz.

Ästhetisch sind die Bilder des 1968 in Strasbourg, Frankreich geborenen Malers von verstörender, vexierbildartiger Qualität. Objektiv schöne, anziehende Partien wechseln mit irritierend schroffen Sequenzen. Kennzeichen der Malerei von Pierre Fischer ist die collageartige Technik. In mittleren bis monumentalen Formaten werden Ebenen übereinander gelagert und in unterschiedlichen Maltechniken reizvoll von einander abgesetzt. Fischer verwendet für seine Arbeiten Öl, Acryl, Lack, Farbspray und Schablonen sowie Fotocollagen. Parallel entstehen Radierungen und Zeichnungen auf Papier und Gipskartonplatten.

Häufig erscheinen die Gemälde unfertig, nebeneinander werden mit großer malerischer Delikatesse ausgeführte Partien von Flächen gesäumt, in denen sich der Bildgrund im Rohzustand präsentiert, und die eben geschaffene Illusion als „Fake“ überführt. Malerei, flächige und graphische Elemente machen Zugeständnisse an die Bildsprache der sechziger Jahre oder sogar an den sozialistischen Realismus, dessen Figuren. Alle Arbeiten bestimmt eine Wirkung des Objektiven. In pseudodokumentarischer Manier bedient sich Pierre Fischer einer Reportrageartigen Anordnung. Dabei benutzt Fischer fragmentarische Sequenzen und Ausschnitte aus berühmten Pressefotos oder Werbekatalogen. Figuren erscheinen verzerrt, in Metamorphose, Menschen mutieren in tierischen Formen, manchmal lösen sich ihre Umrisse ganz auf.

Man ist versucht die Figuren miteinander in Beziehung zu setzten und das Rätsel zu entwirren, die teils kriminalistischen Aufgaben zu lösen. Häufig erscheinen die Arbeiten wie die Dokumentation polizeilicher Ermittlungsarbeit. Fast alle Arbeiten Fischers sind Reflexionen über die Zeit. Bestimmte Elemente wiederholen sich, werden transformiert; erscheinen als Bilder vom Bilde und fordern die Erinnerung der Betrachter heraus. Fischer selbst vergleicht seine Bilder mit einem Arbeitstisch, auf dem Materialien gesammelt sind. Einzelne Papiere sind gut sichtbar, andere werden teilweise verdeckt.

Inhaltlich geht es Fischer um die Interpretation essentieller Alltagserfahrungen in den Verhältnissen von Mensch und Gesellschaft. Dabei behandelt er besonders den Faktor der Inszenierung des Lebens, des Raumentwurfs, der auf das Persönlichkeitskonzept schließen lässt. Fischers Bilder sind wie Bühnen, auf denen der Künstler die Schnittstelle von Privatem und Öffentlichem inszeniert. Aus der Wahrnehmung der Umgebung leitet Fischer emblemartige Tableaus ab, die sich im Sinne moderner Historienmalerei als aktuelle Chronik zur Zeitgeschichte gestalten. Die aus Zeitungen und Journalen gefilterte Historie der Medien wird abstrahiert und zu einer Allegorie von dem was man geträumt hat, teils sehr präzise und doch nicht real. Elemente der Gegenwart, wie Autobahnen oder Windräder werden zu Schiffren der Wahrnehmung, die Fischer stets sehr assoziativ angeht. Trotz der scheinbar kalkulierten Anmutung der Gemälde, ist der Ausgang jeder Arbeit nicht klar. Fischer überarbeitet seine Leinwände ständig. Das Ziel der Bilder, die geheimnisvolle Auseinandersetzung mit Dingen und Situationen fordert zuerst den Maler und dann den inneren Dialog der Rezipienten heraus.

Die Arbeit „Große / kleine Fische“ (2003) ist typisch für die vielen Facetten in Fischers Arbeit. Das zentrale Motiv des Grüßens bezieht sich auf die Phänomenologie des Alltags. Es betrifft nicht nur eine zwischenmenschliche, sondern vor allem eine politische Dimension. Das Händereichen dient dem Schutz der Es ist aus der

Die Etikette ist Schutz der Personen. Das Händereichen ist auch eine traditionsreiche Allegorie auf den Frieden. Es handelt sich um ein politisches Bild, dessen Inspirationsquelle ein Zeitungsbild war. Fotografien vom Händereichen und von winkenden Politikern und Staatsoberhäuptern gehören zum sich stereotyp wiederholenden Motivprogramm des modernen Lebens. Politische Bilder bleiben sich in der allgemeinen Wahrnehmung in Form und Erscheinung gleich, der Erkenntnisgewinn ist nicht immer neu.

In diesem Bild lotet Fischer viele technische Möglichkeiten aus. Auch hier arbeitet er malerisch, räumlich, graphisch-linear und abstrakt, realistisch und surreal. In der Tat pflegt Fischers Malerei keine Illusion, es gibt fast gar keinen Raum, die Raumgesetze selbst sind aufgehoben, wenn Fischer gegen die illusionistische Wirkung arbeitet und im rechten Teil des Bildes zwei Bildformate mit den Rahmenecken gegeneinander stoßen lässt. In der Mitte des gleichen Bildes erscheint unten eine Abbreviatur von Bäumen.

Die aufgezeigte stilistische Vielschichtigkeit der meisten Arbeiten von Pierre Fischer ist kompositorisch und farblich akzentuiert. Wenn die Begegnungen der Menschen und die Überlagerung zweier Flugzeuge zu sehen sind, überlagern sich lichte Pastelltöne und schroffes Schwarz. Pierre Fischer unterstützt so die Irritationen der thematischen Ebene, und lässt die Betrachter seiner Bilder drüber nachdenken, wie Wichtiges und Unwichtiges, Wesentliches und Unwesentliches zu unterscheiden sind.

Pierre Fischer ist ein Maler, der sich Zeit nimmt, Ideen und Bilder zu entwickeln und reifen zu lassen. Sein Interesse an zeitgenössischen Phänomenen in der politischen Wirklichkeit und an journalistischen Bildern führt immer wieder zu Arbeiten die eine Neubelebung des historischen und allegorischen Bildes darstellen. Fischer interessiert sich für die Gesten und das Umfeld der Macht. Leibwächter und Journalisten werden genauso, wie Politiker selber zum Gegenstand seiner Arbeiten ,

Das monumentale Gemälde „Übergänge“ von 2004 stellt ebenfalls eine Kombination unterschiedlicher Szenen in unzeitlicher Zusammenstellung dar. Eine rote Autobahn erschließt das Bild in der Tiefe, in der Ferne, im Gebirge gabelt sie sich zu beiden Seiten. Im Vordergrund bewegt sich eine riesengroße, schemenhafte Frau auf die Betrachter zu. In der oberen Ebene erscheinen andere Figuren auf der Bildfläche, Erwachsen und Kinder sind gleichfalls nur umrisshaft zu erkennen. Von links ragt eine Figur mit gestikulierend ausgestreckten Armen ins Bild hinein, die Handhaltung erinnert an die Figur eines Vogels aus dem Schattenspiel. Wieder einmal kreiert Fischer in seinem Arrangement eine allegorische Sicht auf das Leben, mit der Ausrichtung auf Achsenbezüge von Vorn und Hinten, danach und davor. So ähnelt das Bild einer Reise, auf der man sich über die Zusammenhänge des Lebens Gedanken macht.

Im Zusammenhang der Achsenbezüge ist das bereits angesprochene Bild der „Leibwächter“ noch komplexer. Ist es eine Gruppe von Leibwächtern, oder handelt es sich um das Simultanbild des Bewegungsablaufes einer einzigen Figur von links nach rechts? Über den Personenschützern ist eine weitere, von einer Katze begleitete Figur dargestellt ist, die nach oben schaut. Dieser Teil des Bildes erschließt sich erst auf den zweiten Blick, da das Motiv auf dem Kopf steht. Wie bei der Arbeit „Noir“ ähnelt die Wirkung einem assoziativen Traumgeschehen, zu der das Dunkel der Nacht eine besonders gute Folie verleiht.

Die französische „Katzenwiege“ entspricht dem deutschen „Schweinchen auf der Leiter“. Im gleichnamigen Bild von 2003 erscheint eine große Frau im schicken Kurzmantel. Die Businessfrau scheint gerade in einen anderen Raum zu wechseln. Sie erscheint vor einer weißen Quadratischen Fläche mit der Silhouette einer Baumkrone. Darunter halten in einem nahsichtig angelegte Bereich halten zwei Hände die Fäden des Kinderspiels. Ist es ein Rettungsnetz für die Frau? Hinter der zentralen Frauengestalt erscheinen zwei Figuren wie in einer Art Schwebezustand. Sie scheinen auf ihrer Achse beweglich wie die Figuren eines Tischkickerspiels, die von fremder Hand gelenkt werden. In dieser Arbeit entwickelt Pierre Fischer eindrucksvoll malerische und graphische Qualitäten.

Rätselhaft ist auch das Gemälde „Secret“ aus dem Jahr 2003. Eine lange menschliche Figur mit T-Shirt und Hundekopf liegt flach ausgestreckt auf dem Rücken. Der feste Grund scheint dieser Figur entzogen, sie schwebt frei über einigen unregelmäßigen gelben Streifen. Über ihr baumeln zwei Telefonhörer, die von einer verschachtelten Konstruktion herabhängen, In dieser sind zwei Silhouetten auszumachen. Durch die verunklärenden Nebel um die Figuren steigert Fischer die geheimnisvolle Dramatik des Bildes Secret“, in dem das Geheimnis und die vielen Seiten einer Person in einer polifocalen Komposition angedeutet werden.

Eine ähnlich vielschichtige, zugleich unmögliche Komposition stellt die Arbeit „Innenhof“ von 2004 dar. In steiler Untersicht inszeniert Fischer den Blick in den Himmel eines Lichtschachtes. Hier wird der Lichtschacht zur Passage. Unten drehen sich auf der grünen Wiese zwischen den Schäfchen drei Windenergieräder, links davon erscheint unvermittelt und beziehungslos eine Männerbüste. Um 180° gedreht erscheinen auf der rechten Seite abbreviaturhaft Schaulustige, die ihre Köpfe nach oben gerichtet haben. Das Bild hat mit den Kräften zu tun, mit jenen von Mensch und Natur, mit den Elementen; mit Wind und Bewegung. Nicht nur die Windkraft scheint hier gemeint zu sein, sondern im übertragenen Sinne die ewige Bewegung im Rhythmus der Zeit. Der Faktor Zeit ist somit einer der wichtigsten Parameter des Bildes, die langsame Bewegung und das kräftiges Bewegungsprinzip, die Architektur der Stadt mit ihrer Naturferne wird auf die ferne Landschaft bezogen. Die Diskrepanz von Architektur und Ort ist auch Thema in „Turm“ 2004. In der Nähe von Bern hat Pierre Fischer auf der Durchreise einen Ort passiert, in der die zauberhafte Schönheit jäh durch einen Hochhausturm zerschnitten ist, der direkt neben der Autobahn aufragt, die gleichfalls die Szenerie zerteilt. Die Wahrnehmung wird dabei schon in Echtzeit auf eine harte Probe gestellt und vom Künstler im Gemälde durch die Einbeziehung eines entwurzelten, für sich agierenden Bildpersonals noch gesteigert.

Ausstellungseröffnung: Samstag  30.04.2016 um  16.00 Uhr

Wir sind froh die Werke des international erfolgreichen, in der Türkei geborenen und in Köln lebenden Malers Ali Zülfikar ausstellen zu können – hierzu gehören eine große Anzahl meisterhafter Porträtzeichnungen in großem Format auf Leinwand und Büttenpapier sowie Malereien mit traditionell türkischer, auf Pflanzenbasis beruhender Wollfarbe, deren Herstellungsprozess Ali Zülfikar weiterentwickelte und deren besondere Qualität die Materialität und die Struktur seiner Werke bestimmt.

Das höchste Ziel eines Porträtisten, die Seele, das Leben eines Menschen zu verstehen, zu erarbeiten und sichtbar zu machen, gelingt dem Künstler auf ganz besondere Weise. Vor allem die in erdfarbenen Tönen gehaltenen Bildnisse alter Menschen entwickeln unter seiner Hand eine Intensität und Ausdrucksstärke, die den Betrachter emotional berühren. Diese Menschen strahlen trotz oder gerade aufgrund ihrer Betagtheit Ruhe, Gelassenheit, Weisheit und Würde aus; sie blicken auf die Erfahrungen eines Daseins zurück, was sich in ihren Falten, den rissigen Strukturen der Haut und all ihren Einkerbungen äußert, doch ihre Blicke – teils wach und ausgesprochen lebendig, teils meditativ – und ihre Körperhaltungen, die in einer harmonischen Strichführung eingebunden sind, weisen auf eine Erhabenheit, die zu einer neuen, positiven Interpretation des Themas „Alter“ führt.

Ali Zülfikar ist ein kaum erreichter Meister seines Fachs – auch in seinen Gemälden entwickelt er detaillierte Strukturen, die seinen Darstellungen auf Weitsicht eine starke Präsenz verleihen, und vom Nahen betrachtet die intensive technische Arbeit, im Spannungsverhältnis von Raumtiefe und Proportionen, in der Schichtungen der Farben, ihrem Aufbrechen und dem entsprechender reliefartige Wirkungen, hervor scheinen lassen…“

Die meisten Portraitierten werben die Sympathie des Betrachters ein. Entweder ziehen die wachen Augen an oder eine Gespanntheit der Züge, die Lebensenergie verrät. Bei „Sunset“ ist es beides der Fall. Die Antlitze der Frauen haben oft etwas Warmherziges, Mütterliches, Duldendes, wobei es schwer fällt, zu sagen, woran genau solch eine Wahrnehmung festzumachen ist. Doch auch vor „Mr. Joos“, einem gewinnend lächelnden Portraitierten mit überraschend weichen Zügen für einen Mann, bleibt man gerne stehen.

Kennzeichen von Picassos wunderbarem Kopf ist eindeutig die prägnante Physiognomie, in der sich seine Entschlossenheit spiegelt. Aus seinen großen Augen spricht eine zupackende Neugier. Faszination erwecken durchaus auch weniger vertrauenserweckende Zeitgenossen, wie „Der Schamane“. Im Profil hat der unrasierte Greis den Mund offen stehen. Muss man sich vor ihm fürchten oder handelt es sich um einen verwilderten Menschen, der Mitgefühl verdient?

Es ist Ali Zülfikars Verdienst, dass seine Bilder solche Fragen hervorrufen. Zweifellos ist er ein großartiger Zeichner. Seine Technik, mit Bleistift nicht nur Konterfeis auf Papier, sondern auch auf Leinwand zu bannen, ist einzig, sein Interesse an den Personen mit ihren unverwechselbaren Lebenslinien unverkennbar.

Dennoch würde es zu kurz greifen, zu behaupten, er halte die Menschen fest, wie sie sind. Ebenso wenig schafft er fotorealistische Bildnisse. Er rückt sie, so wie er sie sieht, im überdimensionierten Format ganz nah an den Betrachter heran. Zusätzlich hat er als Künstler jene, die er aussuchte, um sie festzuhalten, unweigerlich auch interpretiert, Züge verstärkt, manches hervorgehoben, anderes weggelassen. Überdies zeigt er seine Bildgeschöpfe, um sie, ebenso wie um seine eigene Meisterschaft gebührend hervorzuheben, in einer außergewöhnlich intensiven Ausleuchtung.

Jede Narbe, Kerbe, Falte, jedes noch so kleine Härchen an der Nase wird erfasst. Ali Zülfikar heroisiert. Indem er die Gesichter so groß darstellt, so deutlich und stark moduliert, setzt er dem menschlichen Empfinden, der menschlichen Lebensleistung ein Denkmal – hohes Drama in jeder Hautvertiefung!

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

Fotos der Ausstellungseröffnung am 30. April

Ausstellung ausgewählter Werke der Galerie Hamann aus Wismar.

Ausstellungseröffnung: Samstag  19.03.2016  um  15.00 Uhr

Sven Ochsenreither

Seit fast zwölf Jahren sind Kinder das Hauptmotiv seiner Werke.
Kinder in allen Alltagssituationen, staunend, zerbrechlich und doch kraftvoll.
Immer bildet das Licht eine besondere, mystische Kulisse.

Sebastian Menzke

Er erhielt kürzlich den 1. Preis der Kulturstiftung der Sparkasse Karlsruhe.
Demontierte Figuren werden neu arrangiert, Körperteile bilden neue Allianzen
und Kontexte. Die Arbeiten erinnern leicht an die Pariser Arbeiten des großen Surrealisten Hans Bellmer.

Knut Wolfgang Maron

Der Fotograf Knut Maron widersetzt sich der Verwahrlosung des Visuellen. Seine Bilder sind nicht Abbilder einer allzu vertrauten Realität, vielmehr werden sie zu Sinnbildern, sie erfordern die Wahrnehmungsschärfe der Sinne. Genaues Sehen läßt erst erkennen, in welchem Zusammenhang die Dinge stehen. Dazu muss sich der Betrachter mit seinen Erinnerungen und Phantasien in den Bildraum einbringen. Nur so vermag er die verschlüsselten Welten zu entdecken. Prof. Joachim Skerl

Stefan Kratz

machte seine ersten Erfahrungen mit der Fotografie im Alter von 12 Jahren in der Dunkelkammer seines Vaters. In der Schulzeit war dies eins seiner Hobbies. Danach kam der Computer (in diversen Modellen) ins Spiel. Er hat einige Erfahrung im Bereich EBV. Gerade deswegen findet er aber als Kontrast zu Pixeln die analoge Fotografie auch reizvoll.

Jens Hausmann

Als figurativer Maler bewegt sich Jens Hausmann scheinbar innerhalb der Koordinaten einer fest gefügten Räumlichkeit. Auf seinen großformatigen Gemälden grenzen transparente Flächen moderner Architektur an die dichte, verwirrend verschlungene Vegetation tropischer Wälder. Als hätte Kultur ihr Band zu Natur gelöst und durchschnitten, stehen menschliche Körper wie ausdruckslose Hüllen in einer atmosphärisch aufgeladenen Situation. Leere Gesichter, erstarrte Gesten, eingefrorene Bewegungen verdichten im einzelnen Körper die Apathie, die im Bild überhaupt das Verhältnis von Natur und Zivilisation beherrscht.

Isabell Borges

Isabelle Borges kommt aus der Tradition ungegenständlicher Malerei. Ihre Bilder entstehen aus dem Rhythmus strukturierter Flächen, die eine Bewegung in die Tiefe des Bildraums erzeugen. Linear konturierte Felder grenzen so aneinander, dass Räumlichkeit aus der Faltung von Fläche entsteht: ihr Bildraum ohne Volumen ist reine Bewegung, im Sinne konkreter Kunst ganz Vektor einer malerischen Kraft.

Kirk Sora

Amorphe Formen und Flächen in kräftigen, leuchtenden Farben sind das erste, was dem Besucher einer Ausstellung von Kirk Sora begegnet. Vor allem die Farben fallen auf durch ihre Intensität und die Stärke der Kontraste. Der eine oder andere wird sich fragen, ob sie gemalt sind. Schnell wird er bei näherem Hinsehen feststellen, dass es sich bei den quadratischen Bildern in verschiedenen Formaten um Fotografien handelt.

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag, 12:00 – 17:00 Uhr.

Artikel in der Ostsee-Zeitung vom 21. März 2016

Cartoons mit Zeitgeist

„COOLE BILDER Cartoons mit Zeitgeist“ lautet das Motto der Karikaturen-Ausstellung vom 12.12.2015 bis 6.3.2016 in der Kunsthalle Kühlungsborn.

Ist cool sein überhaupt noch cool?

Und wenn ja, warum? Wer legt eigentlich fest, was gerade in ist und was out?

Wer bestimmt die Trends?

Muss man sich an jeden halten? Gibt es einen heiligen Zeitgeist?

Was ist, wenn man nicht an ihn glaubt?

Wo führt der Weg hin, wenn man immer und überall mit der Zeit geht?

Fragen über Fragen, auf die die Ausstellung gibt. Mit coolen Bilder von 50 coolen CartoonistInnen aus Deutschland und Österreich, die den Geist der heutigen Zeit widerspiegeln. In allen Lebenslagen und Altersklassen, im wahren 3-D-Leben wie im virtuellen. Beim Essen, Trinken, Rauchen, Chatten, Skypen, Twittern, beim Friseur, Klamottenkaufen, vor dem Bioregal im Supermarkt, beim Screentouchen, onlineshoppen, im sozialen Netzwerk, auf der Karriereleiter, bei der Familienplanung, in der Seniorenresidenz, beim Surfen im Netz und auf dem Wasser, beim Steuer hinterziehen, Wechsel von der Politik in die Wirtschaft, vor und in der Glotze …

Die Ausstellung „COOLE BILDER Cartoons zum Zeitgeist“ entstand für das 7. Cartoonair am Meer im Sommer 2014 in Prerow. Das deutschlandweit einzigartige Karikaturen-Freiluftfestival wird seit 2008 von der Berliner Cartoonfabrik veranstaltet. Die Kunsthalle Kühlungsborn präsentiert traditionell als erste Station die Indoor-Variante der Prerower Sommerschau mit 200 Coolen Bildern und mit dem Buch zur Ausstellung, das bei Lappan erschienen ist und 9,95 € kostet.

Dienstag – Sonntag   12. – 17.00 Uhr